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 CARTEL PROMOCIONAL DE FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA.

 CARTEL PROMOCIONAL DE LA OBRA (THE WASTE LAND).

 iMAGEN DE UN MOMENTO DE LA OBRA, DURANTE LA REPRESENTACIÓN.

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Festival de Otoño en Primavera

The Waste Land

Fiona Shaw recita en escena la obra maestra de T. S. Eliot.

Intenso estreno en España de la obra que impulsó a la directora Deborah Warner y a la actriz Fiona Shaw a fundar Fitzroy Productions para llevar a escena ‘The Waste Land’ (‘Tierra baldía’) el célebre poema escrito por T. S. Eliot en 1922.

Sola en escena, la actriz declama con gran sentimiento y en su inglés original (sin sobretítulos) los 433 versos del poema del Premio Nobel de Literatura anglo-estadounidense.

Pese a la naturaleza polifónica de la pieza, clave en el desarrollo de la poesía anglosajona del siglo XX, Shaw se encarga de dar vida a todas las voces, en una proeza interpretativa que ya ha sido alabada por la crítica durante su gira por Bélgica, Reino Unido, Francia, Noruega, Canadá y Estados Unidos.

Aunque puede que Fiona Shaw sea más conocida por su pequeño papel como la tía Petunia en la franquicia fílmica de Harry Potter, es aclamada como una de las mejores intérpretes de teatro clásico de su generación. El crítico del New York Observer John Heilpern afirma que este montaje de ‘The Waste Land’ se trata de ‘una experiencia teatral inolvidable y un logro impresionante de la más grande actriz a ambos lados del Atlántico’.

Página web: www.madrid.org/fo/

DATOS DE INTERÉS

Duración: 33 minutos (sin intermedio)

Texto: T. S. Eliot

Dirección: Deborah Warner

Intérprete: Fiona Shaw

Compañía: Fitzroy Productions

Noticia de Waste Land

‘The Waste Land’ de T.S. Eliot en el Teatro Español

 

The Waste Land

 ‘The Waste Land’ de T.S. Eliot en el Teatro Español. Desde que participaran en la Electra de la Royal Shakespeare Company en 1988, la directora Deborah Warner y la actriz Fiona Shaw han trabajado juntas en doce grandes producciones.

 ‘The Waste Land’ de T.S. Eliot en el Teatro Español de Madrid. Del 4 al 6 de Junio. 20:30 y 22 horas (días 4 y 5), y 19 y 20:30 horas (día 6). Compra tu entrada para esta obra.

 En 1995 Warner y Shaw fundaron su compañía, Fitzroy Productions, precisamente para estrenar la versión teatral del célebre poema fundacional de T. S. Eliot, The Waste Land (Tierra baldía). La pieza, que condensa en 33 minutos la intensidad y la fragmentación de la obra maestra de Eliot, cobra vida de la mano de Fiona Shaw. Sola sobre el escenario, la actriz levanta a pulso cada verso, cada soplo de destrucción y de esperanza. En lo que la crítica ha calificado como una hazaña de la interpretación, Fiona Shaw se convierte en todas las voces de este poema que, escrito en 1922, resulta escalofriantemente moderno. The Waste Land estuvo de gira en Bélgica, Reino Unido, Francia, Noruega, Canadá y Estados Unidos. Tras asistir a una de las funciones, John Heilpern escribió en el New York Observer que esa noche había sido testigo de “una experiencia teatral inolvidable” y de “un logro impresionante de la más grande actriz a ambos lados del Atlántico”.

 Fiona Shaw se formó en la Royal Academy of Dramatic Art. A lo largo de su extensa carrera sobre las tablas (Mother courage and Her Children, The Rivals, Machinal, The Seagull y As you like it, entre otras muchas interpretaciones), ha merecido multitud de premios entre los que se encuentra el Premio a la Mejor Actriz de los Críticos de Londres. En cine, se la ha podido ver en películas como La dalia negra, Anna Karenina, Harry Potter y la piedra filosofal, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Jane Eyre, Mi pie izquierdo, Tres hombres y una pequeña dama y RKO 281. La batalla por Ciudadano Kane. Ha recibido títulos honoríficos de la National University of Ireland y del Trinity College. En el año 2000 fue nombrada Oficial de las Artes y las Letras de Francia y en el año 2006 Comandante de la Orden del Imperio Británico.

Información de LAGUÍAGO.COM

 

Algunos alumnos de la Universidad Nebrija que estudian Arte Dramático y Comunicación audiovisual van a realizar un montaje en el Teatro Alcázar de Madrid que se representará desde el día 11 de Junio durante 6 días.

El viernes será a las 23.00h.

Es una adaptación de la obra de Shakespeare “Sueño de una noche de verano” en la que aparecen algunos autores, dramaturgos e importantes representantes del surrealismo como Lorca o Buñuel interviniendo en el montaje…

No tiene desperdicio… iré ampliando información!!

Entrevista a Daniel Veronese

Os dejo una entrevista que le hicieron a Daniel Veronese en 2005 donde habla del teatro en general y de su teatro en particular… No tiene desperdicio… Disfrutarla!! 

 

 

 

 DANIEL VERONESE

 IMAGEN DE “LA FORMA QUE SE DESPLIEGA”

 IMAGEN DE “EN AUTO”

Daniel Veronese comenzó su carrera como actor, mimo y titiritero. Incursionó en el teatro de objetos, disciplina que lo llevó a crear en 1989, “El Periférico de Objetos”. Es autor de más de veinte títulos y ha dirigido más de una decena de obras, muchas de ellas desfilaron por distintos festivales internacionales de teatro. Trabaja generalmente con más de una puesta a la vez. Open House”, “El hombre que se ahoga, La forma que se despliega y la recientemente estrenada “En autoen el Cervantes se encuentran en la cartelera porteña, al tiempo que prepara un viaje a España para realizar una versión de “El túnel” de Sábato junto al actor Héctor Alterio. 

En esta oportunidad, La forma que se despliega, que ya lleva tres temporadas en distintos escenarios, se constituye en el motivo del encuentro con el prestigioso dramaturgo. ¿Por qué hablar de esta obra entre tantas otras que tiene el director? Se podrían nombrar muchas razones: porque la crítica la aplaude y el público la acompaña un día muy poco convencional como es el lunes, porque lleva varios años en cartel, porque la puesta se modificó con respecto a la original, porque se presentó en el marco del Ciclo de Biodrama o porque encontramos un interesante abanico de reflexiones sobre la imposibilidad de sentir el dolor ajeno como propio y las dificultades que atraviesa el arte a la hora de representar esos sentimientos. Tal vez sea por todos estos motivos, o porque simplemente Veronese como autor y director despliega a su forma un fragmento de la vida de un matrimonio tras la muerte de un hijo para hablarnos “de lo que no se tiene, de la falta y su correspondiente melancolía”.
En realidad es todo ficción, quería hablar de mí y la obra tiene un planteo que me he hecho varias veces. Siempre me pregunté sobre la movilidad del dolor, sobre cómo siente la gente y cómo el artista interpreta ese dolor, y de alguna forma despliega su obra para que la gente también sienta como él. Tal vez el título de la obra “La forma que se despliega”, tiene que ver con eso, con el papel del director que despliega la obra hacia un lado para decir algo, que es lo que uno también hace cuando escribe.
En cuanto al género del biodrama, la obra es un poco tramposa, porque no es que a alguien le haya pasado eso, como un poco el género pide. No existe esa mujer que perdió el hijo, pero sí en mi cabeza esa preocupación. La obra habla sobre mí, aunque no me haya pasado directamente. Son cosas que me pregunto. En realidad, alguien podría decirme: “Bueno, pero eso te pasa con todas las obras”, y sí es así. Es como que me escapé un poco de lo que se denomina el género biodramático, que es escribir sobre una persona real. Quería escribir sobre mí y pensé qué es lo más profundo, lo que más me puede llegar a conmover, y es esto: la muerte de un hijo…

¿Qué papel juega el piano en la puesta en escena? 

 Es un signo que denota la presencia de un artista, para alejarlo un poco de la escritura o del teatro, elegí un signo musical, para que no hable tanto de mí y es también, a la vez, un juguete de niño. Al principio, cuando se estrenó, teníamos un piano que sonaba muy bien, diferente al pianito que está ahora en el Centro Cultural de la Cooperación. Antes la obra era distinta, porque había una pareja frente a un solo actor que hacía de pianista. En la segunda temporada, puse a un padre y a una madre en el papel de ese único músico. Antes, la puesta estaba más llevada hacia otro lugar, como si un artista mirara a dos personas, y dijera: “Voy a ver como es el sentimiento verdadero para poder expresarlo”. Entonces, el pianista observaba el sufrimiento para aprender a expresarlo en una obra de arte. Esa fue la primera puesta, en el teatro Sarmiento, pero cuando la reestrené en el Camarín de las musas, transformé el personaje del artista en una pareja. Estos padres son artistas, pero uno puede pensar que estos padres, que hablan menos, son en realidad los que perdieron a su hijo y no lo pueden expresar y por eso lo expresan otros por ellos. 

 
En el momento en que los actores se dirigen directamente al público, se podría decir que el espectador toma mayor conciencia de su papel de observador del dolor ajeno, ¿no hay una semejanza con la mirada del televidente sobre los hechos dramáticos que aparecen en los noticieros?
  Sí,  puede ser, pero en la tele uno está viendo algo que sabe que es verdad y aquí uno está viendo algo que sabe que no es real, y depende de la capacidad del actor de hacértelo creer. La emoción que produce ver un noticiero es insuperable, creo que te diría que es un poco obscena. En el teatro, todo está teñido por la ficción, y siempre aunque uno sufra, puede decir: “Esto no es verdad, estas personas me están mintiendo”.
 
¿Existe una cierta competencia entre los distintos personajes de la obra, para ver quién sufre más?
Puede ser. ¿Quién sufre más?, ¿él que lo muestra o él que no lo muestra? Al final, creo que sufre más la pareja que casi no habló, porque es la que realmente sufrió la tragedia, porque la otra pareja está actuando ese dolor, aunque por supuesto son todos actores, y entonces, ¿quién sufre?: el público. Es como si fueras quitando velos y queda la única realidad, la del público. Porque la que tenés en el escenario es mentira. La de esa pareja que actuó es una mentira. La de la otra pareja que dice: “Ah estos actores, que estuvieron actuando”, también es mentira, entonces, todo el dolor que podés sentir está en el público.
 
¿Entonces, el dolor se construye en el público?
Creo que pasa algo de eso, porque no queda otro lugar donde ponerlo. Porque la pareja dice: “No les crean a ellos porque están mintiendo”. Cuando ves a esas mujeres con sus niños muertos en los brazos en la televisión, decís: “¡Qué tremendo!” y cambias de canal, y ese dolor era verdadero. Pero cuando el dolor es vivido en el teatro y te dicen: “Miren que nosotros estamos actuando” y vos lo sentiste, queda en vos, y ahí está la posibilidad de encontrarte con ese dolor y repensarlo. Uno como que descarga diciendo: ¡Qué tremendo todo lo que pasa en el mundo!” y listo, está allá. Mi cuota de comunión con la humanidad ya la cubrí. No hago nada. Sufrí y compartí con esta gente a miles de kilómetros de distancia. Apago y pongo otro programa. Es una forma de descarga. Pero en el teatro, no hay posibilidad de irte de ese dolor. Toda la estructura del teatro te está diciendo que es una ficción, que pagaste una entrada, que sabés que eso no pasa. Pero la capacidad de los actores hace que vos te conectes con esa ficción, y cuando termina la obra y te dicen: “Mira que nosotros somos actores”, entonces, el dolor queda en el público como una reflexión.
 
“La forma que se despliega” y “Open house” tienen funciones solo los lunes, un día no muy usual para concurrir al teatro…
“Open House” está hace casi cinco años en cartel, de los cuales los últimos tres, se viene haciendo los lunes. Elegimos ese día, porque la obra está armada para no dejar de hacerla nunca, por eso elegimos un lunes, para que los actores pudieran participar en otras obras los fines de semana. Que no fueran las ganas de hacer otra cosa, el motivo de abandonar “Open”. Cuando pensamos en el lunes, creíamos que a lo mejor no era un día con mucho público, y una de las actrices dijo: “Aunque no venga gente la vamos a hacer igual”. Y desde  ahí, se decidió hacer la obra ininterrumpidamente, más allá de la presencia o ausencia de público. Aunque, en realidad, desde que está en cartel nunca nos pasó de tener la sala vacía.
 
¿Seguís de cerca “Open House” o delegaste un poco la dirección en manos de los actores?
Sigo con la dirección, este año, por ejemplo se murió el conejo (animal que aparecía en la obra), entonces hicimos algunas modificaciones, y ahora mostramos solo una foto. Creo que el espectáculo va a transformarse cuando alguien decida abandonar el proyecto. Si alguien se fuera, tendría que organizar los textos de nuevo. Sería bueno que yo también los abandone, pero creo que el espectáculo necesita de una mirada externa; si un actor se va, se desequilibra, entonces lo que se resuelve necesita ser mirado desde afuera, necesita de una dirección, pero creo que a lo mejor debería abandonarlos y decirles: “Si alguno se va, arréglense ustedes solos y dividan entre los que quedan los textos”.
 
“Un hombre que se ahoga” tiene funciones los domingos a las cuatro de la tarde,  ¿cómo es hacer teatro con luz natural?
Se puede decir que es teatro de día, teatro con luz natural, pero en realidad se dio así. El techo del teatro tiene como una especie de fosa y arriba hay un primer piso con chapa y entra la luz, entonces los días de sol se puede hacer la obra perfectamente sin luz artificial. “Un hombre que se ahoga” funcionaba los domingos a las cuatro de la tarde con luz natural y después los viernes y sábados a las doce con cuarzos y una luz fija, porque no había muchos cambios de luces. Estos horarios poco convencionales respondían también a que la obra tenía y tiene un elenco muy numeroso, con actores muy convocados, entonces elijo un horario que sea compatible con las otras obras que realizan los actores. Después termina siendo como un signo de renovación, de rareza, pero en realidad es una cuestión de producción. El horario del domingo a la tarde al principio llamaba mucho la atención, y la gente agotaba las entradas…
 
¿Pensaste en la posibilidad de llevar al cine algunos de tus trabajos?
Si, eso siempre está, lo pensé con “Mujeres soñaron caballos” y también con “La forma que se despliega”, pero se me hace un poco difícil. Yo junto a los actores y hago teatro, después veo como consigo plata, en cambio con el cine se necesita un soporte técnico. Tengo miedo de filmar y fallar, en cambio en teatro corrijo continuamente, y ensayo mucho. Quizá lo haga algún día, pero se necesita tener mucho tiempo, como perderse cuatro o cinco meses en eso solo. Con el teatro dirijo dos o tres obras a la vez, pero en cambio, el cine te chupa la energía sólo para eso, y todavía no estoy en condiciones de poner tanta energía ahí.

Juan Solo está en Madrid, Teatro Alcázar con su espectáculo… “Solo en casa”

El cómico, actor, monologuista y presentador del late night Solo ante el peligro aborda un nuevo reto:  Solo en casa. Un nuevo proyecto donde Juan Solo se muestra, durante hora y media, tal y como es: ingenuo, tierno, inocente, por momentos virtuosista y en ocasiones, perverso. Cada noche, comparte con el público su particular visión del mundo, sus fobias, sus aficiones y sus miedos. Al final del espectáculo, no sabrás si llevártele a casa y prepararle un baño de burbujas o estrangularle.

Para aquellos que no le conozcáis…Juan Solo decidió dedicarse a la comedia el 9 de septiembre de 1.987 a las 11:15 de la mañana, pero no recuerda qué estaba haciendo. Compaginó sus primeros trabajos como actor en TV (Farmacia de Guardia, La casa de los líos) y el teatro (El tintero y Terrrific, de Tricicle) con su pasión por los zeppelines.

También probó fortuna con la ventriloquía pero en esta arriesgada aventura eligió como compañero a Dimitri, un muñeco bielorruso que no entendía nuestro idioma, y el espectáculo resultó un fracaso.

No se desanimó y, poco después, se lanzó al mundo de los monólogos de mano de Paramount Comedy. Allí encontró el éxito que dio la razón a aquellos que, años antes, decidieron no ingresarle en un hospital psiquiátrico. En poco tiempo ha llegado a convertirse en uno de los rostros más populares de la cadena, con siete monólogos en antena y un Pata Negra dedicado a su carrera. Fue elegido uno de los “10 cómicos 10”, el mayor evento teatral dentro del género del stand-up (hacer reír actuando de pie; si te sientas no vale) celebrado en España.

Tras su paso por Noche sin Tregua, donde interpretaba al vidente uruguayo Óscar Antares, presentó su propio late night show, Solo ante el peligro, programa que también dirigió. Supuso una gran oportunidad que no dejó escapar; entrevistó a más de cien personajes relevantes de nuestra cultura y otros tantos de relleno. Siempre ávido de conocimientos, gracias a Solo ante el peligro aprendió que la palabra almóndiga está aceptada por la RAE.

Juan, que también es autor del texto, considera necesario aclarar que el espectáculo no está basado en El conde de Montecristo.

Por si aún no sabéis lo que es el humor afilado os dejo una muestra…

Os dejo información para que conozcais un poco más al autor de “Del maravilloso mundo de los animales los corderos”, la obra que se puede ver en El Teatro Español, para más información de la obra entrar en la Web oficial del Teatro Español, o en la página de mi blog!!

Dramaturgo, director de teatro, actor y titiritero, Daniel Veronese realiza además sus propias producciones musicales y escenográficas. Es miembro fundador del grupo de teatro El Periférico de Objetos, creado en 1989, que basa su experimentación en el trabajo de integración de actores y objetos.
Como autor, tiene sus obras publicadas en dos colecciones: Cuerpo de prueba, volúmen de catorce obras y La deriva, de siete. Entre ellas, figuran Crónica de la caída de uno de los hombres de ella, Del maravilloso mundo de los animales: conversación nocturna, Luz de manaña en un traje marrón, Luisa, Señoritas porteñas, Formas de hablar de las madres de los mineros mientras esperan que sus hijos salgan a la superficie, Unos viajeros se mueren y Sueño de gato, entre otras.
Como director ha realizado las puestas de Variaciones sobre B…, El hombre de arena, Cámara Gesell, Breve vida, Máquina Hamlet, Circonegro, El líquido táctil, Zooedipous, Monteverdi Método Bélico, La muerte de Marguerite Duras, Mujeres soñaron caballos, Open House, El Suicidio / Apócrifo1 y Dramas breves 2.
Sus espectáculos e intervenciones performáticas recibieron producciones de diversos festivales e instituciones del exterior: Theatre der Welt, Festival de Avignon, Kunsten Festival des Arts, Hebbel Theatre y Holand Festival, entre otros.
En las ediciones 1999, 2001 y 2003, Veronese se desempeñó como curador del Festival Internacional de Buenos Aires.

Sus espectáculos recibieron producciones de diversos festivales e instituciones del exterior: Theatre der Welt, Festival de Avignon, Kunsten Festival des Arts, Hebbel Theatre y Holand Festival, Fabbrica Europa, Riocenacontemporânea, Blumenau, entre otros.
En estos últimos quince años ha recibido solamente en el país alrededor de veinticinco premios, una decena de nominaciones y menciones, y varios subsidios y becas por su labor como director, autor y generador de nuevas tendencias escénicas, trabajos de experimentación y nuevos aportes en el teatro. En Argentina ha recibido subsidios de la Fundación Antorchas, de Proteatro, de la Asociación Argentina de Actores y del Teatro General San Martín. Fue muchas veces curador del Festival Internacional de Buenos Aires y jurado de prestigiosas instituciones teatrales.
Espectáculos en cartelera:

Espectáculos en los que participó:

Os dejo información de la obra que estrenaron el 27 de mayo y se puede ver hata el 20 de junio  para que vayais a verla, para que os animeis… hay que darse prisa porque no es tanto tiempo… Hacer un esfuerzo!!

Luis se pasó veinte años esperando a su hermano. Echado en un sillón, de cara a la ventana, vio pasar los días, uno tras otro. La espera, como todas, dejó huellas, cicatrices.

Un día, ya cansado, lo manda a traer. Su mujer -con quien el visitante tuvo una aventura-, la hija -no se sabe de quién- y un vecino -siempre dispuesto- participan del hecho.

Entonces, llevar a la nena a la plaza, comer zapallitos o pasear en auto, se vuelven otra cosa en el reencuentro familiar: riesgo y oscuridad. Rito mafioso.

El director nos muestra en esta obra una de las cuestiones de la clasemedia argentina, lo no dicho , lo que nada se termina de decir, permanecer en el secreto como cualidad seductora y esto no dicho generadora de violencia en los actos cotidianos. Pero como todos son corderos, víctimas, ¿quién se hace cargo?

Ficha técnico-artística

Autoría: Daniel Veronese
Actuan: Osvaldo Djeredjian, Mónica Driollet, Marcelo Nacci, Mariano Roca, Andrea Spina
Vestuario: Alejandro Mateo
Escenografía: Alejandro Mateo
Iluminación: Alejandro Mateo
Asistencia de dirección: Emiliano González Portino
Dirección: Gustavo Fontán

Información obtenida de ALTERNATIVATEATRAL.

Saavedra: “Electra” quiere convertirse en un espectáculo de excelencia

 Las Palmas de Gran Canaria, 12 abr (EFE).- El montaje teatral “Electra” “quiere convertirse en un espectáculo de excelencia, que pueda proyectarse al resto del país y, si es posible, al extranjero”, afirmó hoy el alcalde de Las Palmas de Gran Canaria, Jerónimo Saavedra, tras reunirse en Madrid con la compañía teatral.

“Electra”, que se estrenará en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria, viajará al Teatro Español de Madrid y clausurará el Festival de Teatro Clásico de Mérida.

El alcalde de Las Palmas ha querido conocer de primera mano la marcha de los ensayos de este proyecto, se indica en una nota del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria.

“Electra”, de Benito Pérez Galdós, es una producción del Teatro Pérez Galdós de Las Palmas, que se estrenará el próximo 6 de mayo, y posteriormente viajará al Teatro Español de Madrid (del 10 al 20 de junio), antes de clausurar el Festival de Teatro Clásico de Mérida, del 26 al 29 de agosto.

Saavedra ha mantenido un encuentro con la compañía teatral, encabezada por el académico Francisco Nieva, autor de la adaptación del texto; el director de escena, Ferrán Madico, y algunos de los actores del reparto, como Maru Valdivieso, Sergio Otegui o Antonio Valero.

A esta reunión informal han acudido también el director del Teatro Pérez Galdós, Juan Cambreleng, la productora ejecutiva del proyecto, Dania Dévora, y el director del Teatro Español de Madrid, Mario Gas.

Tras insistir en que Electra tuvo éxito en su momento, pero que además, conserva valores de plena actualidad, Saavedra ha trasmitido su felicitación a Francisco Nieva por la adaptación del texto. EFE

Noticia de ABC.es

Aquí os dejo las fotos de los ensayos de electra, la obra comenzará a representarse en el Teatro Español del 10 al 20 de junio en la sala principal… A juzgar por lo que las fotos muestran va a ser una gran producción y seguro merece la pena…

A ver si con estas instantáneas tan sugerentes consigo animaros!!